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阿诺尔德·勋伯格
阿诺尔德·勋伯格（Arnold Schönberg，1874—1951年），美籍奥地利作曲家、音乐教育家和音乐理论家，西方现代主义音乐的代表人物，自幼学习小提琴和大提琴，12岁开始作曲。作为作曲家，勋伯格主要靠自学成名。
简历
个人简介
勋伯格是一个自学成才的作曲家，小时候家境贫寒，十六岁时父亲去世。这些不利的环境并没能阻止他热爱音乐和学习音乐的决心。他八岁时开始学习小提琴，以后又自学大提琴，参加业余乐队，而且自己尝试着作曲。他经常如饥似渴地去听音乐会和歌剧，从中得到学习和熏陶。
父亲去世以后，由于家境日益困窘，他到一家银行当了办事员，以增加一些家庭收入。就在这个时候，他偶然结识了作曲家亚历山大·策姆林斯基，并跟他学了几个月的对位法，而这就是后来成为现代音乐杰出作曲家的勋伯格所受到的唯一的正规音乐教育。从此，他开始了音乐创作生涯。
1897年，他的处女作《D大调弦乐四重奏》问世。
1901年他来到柏林，执教于斯顿音乐学院。后来又回到了维也纳，于1910年担任了音乐学院的和声教师。第一次世界大战开始后，勋伯格参加了奥地利军队。战后在柏林普鲁士艺术学院任教。1933年勋伯格离职赴美，担任加利福尼亚大学的音乐教授。
勋伯格是一位具有大胆创新精神的作曲家，他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐，并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”，即“表现主义”音乐流派。
勋伯格的音乐创作一般分为三个时期：
第二个时期大约从1908年至1912年。这个时期的作品已是“勋伯格风格”特点的作品了，但仍是自由无调性。
第三个时期大约从1920年到其逝世。他这个时期的作品大量地运用了他自己发明的十二音技法。
1874年生于维也纳，自幼学习小提琴与大提琴，理论以自学为主，
阿诺尔德·勋伯格
1901年在沃尔左根的“艺术酒店”指挥。
1899年创作了《升华之夜》；1900年着手创作《古雷之歌》，二者都属于瓦格纳以后的晚期浪漫主义音乐风格。因《古雷之歌》第一部分之成就，经理查·施特劳斯推荐而获斯特恩音乐学院教席并获得奖学金，在此期间创作音诗《佩利亚斯与梅丽桑德》。
1903年《升华之夜》首演获得巨大成功。
在1903－1907年的作品中将变化音和声发挥尽致，音调结构越来越无从捉摸，直至在1908年的《钢琴曲三首》和声乐套曲《空中花园之篇》中，他的无调性始抵于成。这两部作品演出时遭到反对者的猛烈攻击和拥护者同等强烈的欢呼。
1912年为女演员艾伯丁·齐默作《月光下的彼埃罗》，这是一部朗诵唱和室内乐合奏的作品，在维也纳的首演激起更深的敌视，但是早期风格的《古雷之歌》在维也纳的首演却十分成功。
1912年《管弦乐五首》在伦敦首演。
1918年在维也纳成立“非公开音乐演出社”，谢绝评论家参加，事先不公布节目，禁止鼓掌。
1913－1921年间创作极少。
此后18年间，时而用12音，时而用有调性风格作曲，信徒们大为惊愕，他自己却处之泰然，他说每一个作曲家都变动风格以适应其创作需要和目的。
1951年，勋伯格在美国洛杉矶去世，享年77岁。
个人创作
风格
不同音高的各音之间的结合，不再像传统音乐那样，以某个音为中心，不协和和弦也不再像传统的音乐那样，需要“解决”到协和和弦。勋伯格采用无调性音乐风格是同他作品中的表现主义特征相联系的。他从表现主义美学思想中汲取灵感，先后创作了一批无调性作品，成为第一位放弃调性的作曲家。如单人剧《期待》（1909）和说白歌唱《月迷彼埃罗》（1912）等。
这些作品表现了诸如绝望、恐惧、紧张、痛苦等病态心理或情绪，音乐语言夸张、变形、怪诞。在《月迷的皮埃罗》中，勋伯格还发展了一种介于说话与歌唱之间的说白歌唱。无调性阶段的重要作品还有《五首管弦乐小品》（1909），戏剧配乐《幸运的手》（1913）等。1920年以后为十二音技法时期。经过长期的探索，勋伯格在无调性音乐的基础上，找到了一种组织音乐材料的新方法，形成了所谓十二音音乐。作曲家用半音阶中的12个音，自由组成一个音列，音列可以原形使用，也可以逆行、倒置、倒置逆行。这4种音列形式可移置于半音阶的任何高度，从而可形成48种样式。音列中的各音（全部或部分）既可相继出现形成曲调，也可同时出现形成和弦，以此构成全曲。勋伯格后期基本上采用十二音技法进行创作，重要作品有《乐队变奏曲》（1926—1928）、《小提琴协奏曲》（1935—1936）、《钢琴协奏曲》（1942）、《华沙幸存者》（为朗诵、男声合唱及乐队而作，1947）、歌剧《摩西与亚伦》（1951）等。他在晚年偶尔也写作有调性的作品。
音乐戏剧
勋伯格创作了4部音乐戏剧作品：1909年的
理论著作
阿诺尔德·勋伯格
其他作品
勋伯格的主要作品有：交响诗《光明之夜》、《佩列阿斯与梅丽桑德》、《室内交响曲》、歌剧《期望》以及为朗诵、男声合唱和乐队而写的《一个华沙的幸存者》。此外还有几首弦乐四重奏和许多钢琴、声乐作品等。
舞台音乐：《期待》、《幸运之手》
管弦乐：《佩利亚斯与梅丽桑德》、《室内交响曲》（为十五伴独奏乐器而作）、《五首管弦乐曲》
人声与器乐：《古雷之歌》（五个独唱、朗诵、合唱与乐队）、《月光下的彼埃罗》（朗诵与室内重奏）、《华沙幸存者》（朗诵、男声合唱与乐队）
室内乐：《d小调弦乐四重奏》、《升f小调弦乐四重奏》、《升华之夜》（弦乐六重奏）
钢 琴：《乐曲五首》、《六首小曲》
歌 曲：《空中花园之篇》（女高音歌曲十五首）
勋伯格是20世纪最有影响的作曲家之一，他在音乐风格上的巨大变革，带动了20世纪音乐一场翻天覆地的革命。
创作的早期，他禀承了瓦格纳、马勒等后浪漫主义大师的风格，运用变音体系的乐汇及规模宏大、结构复杂的手法，创作了一些颇负盛名的佳作。中期，他彻底抛弃了后浪漫主义的手法，形式转向小型，依靠色彩的迅速替换，来获得音乐上的变化，音乐要素中节奏和对位越来越复杂，旋律线越来越支离破碎，并摆脱了有调中心的变化音乐风格，走向了“无调性”。到了晚年，作品中“表现主义”风格跃然纸上，其乐汇极不协和，非主题性，节奏裂变成原子，旋律零七八碎，配器古怪，音乐也不再追求泛指意义的真与美，而是用鞭辟入里的手法，去表现作曲家极为复杂的情感，其代表作《月迷彼埃罗》。他晚期的歌剧《摩西与亚伦》体现了深刻的哲学思想，音乐表现力极强，结构雄浑一体，被公认为是20世纪的不朽杰作。
个人音乐思想
阿诺尔德·勋柏格不仅是一位二十世纪的重要作曲家，而且也留下了大量文字著述。勋柏格音乐思想中的几个重要观点：
对音乐历史的认识
阿诺尔德·勋伯格
通过勋柏格对于形成民族艺术特征的根本原因、民族艺术中的支配现象、民间音乐与艺术音乐之间的比较、音乐刨作中的“民族性”问题的意识等方面问题的剖析与认识，总结了他的“重艺术音乐，轻民间音乐”、“重西欧音乐，轻非西欧音乐”的观点，从而突出了他的精神领域中的根深蒂固的“德奥音乐中心论”，这是一个浸润着浓厚的西欧文化中心论色彩的观点，也是贯串他毕生的音乐思想的重要观点之一；
对音乐教育问题的见解
勋柏格认为作曲教师应该教会学生掌握“艺术的工具”、在教学中努力做到“一专多能”、注重个性培养；
对当代音乐批评家与音乐批评方法提出的要求
音乐批评家必须具备作为一名音乐家的专业修养，要以真实、客观的态度对待音乐批评这门神圣的职业，充分运用内心的艺术联想向公众再现作曲家的意图，而不是将个人见解强加于受众；同时，批评家需要对艺术的过去与未来拥有全面的了解与较准确的预测，在音乐批评的具体范畴中，应将重心角度置于探讨音乐作品的风格与思想之间的关系方面。五，勋柏格的音乐创作观：在勋柏格的创作理念中，深刻体现出他的表现主义艺术观与音乐作品的“有机统一论”意识，前者强调内在精神需要与外在世界的谐调、统一，而后者强调严密的艺术创作逻辑和有机的结构力，因此事实上这两个方面形成了一种相辅相成的关系，你中有我，我中有你，并且涵盖了他对于“基本型”、音乐的“可理解性”等问题的独到见解。也许，勋柏格的音乐思想中存在着一些自相矛盾之处：他的某些艺术观念也有失偏颇，不够完善，尚未形成体系。但是，这并不影响人们循着勋伯格的思想在音乐的道路上前进。
个人经典
《升华之夜》《乐队变奏曲》
卡拉扬指挥柏林爱乐乐团
在20世纪音乐的发展道路上，勋伯格早期创作的《升华之夜》被认为是一个重要的里程碑。为求得调性的解放，勋柏格的中期创作勇于实践，作品转向“无调性”，令人难以接受。但在20年代，他终于完成了“十二音体系”阿诺尔德·勋伯格相关书籍
的探索，音乐便又重新获得了秩序。而他用这种新秩序作成的第一件完整编制的乐队作品，便是这首1928年9月定稿的《乐队变奏曲》。富尔特温格勒在柏林指挥了它的首演。全曲由引子、主题、九段变奏和一个终曲组成。接近印象派风格的引子朦朦胧胧地滑向后边仅有24小节的主题，大提琴平静地将它奏出，十二音的曲调清晰可辨。然后是这个主题的九段变奏，手法多变，古老的卡农和“十二音”的“倒影”兼用，而且配器上引入竖琴、短笛、钢片琴、曼陀铃这类乐器，织体丰满而音响奇妙。最后的终曲将这一切归纳起来，并以引子中出现过的BACH主题贯穿其中，实现了“十二音”新秩序下的统一。总之，这肯定又是一个里程碑了。这张唱片演绎水准极高，录音也相当精致，可让听众一饱耳福。
《小提琴协奏曲》《钢琴协奏曲》
阿莫耶尔小提琴
彼得·塞金钢琴
布列兹指挥伦敦交响乐团
勋伯格先前曾是个激进的“先锋派”，而在他的晚年，创作屡有回归传统的倾向，写出了一系列相当精致的作品，其中很重要的就有这张唱片上的《小提琴协奏曲》和《钢琴协奏曲》。这也是勋伯格仅有的两首协奏曲，分别在1940年和1944年由斯托科夫斯基指挥了首演。海菲茨曾经拒绝首演这首小提琴协奏曲，而且当时的许多小提琴家都很抵触它，因为他竟然宣称这首乐曲是为将来“长了六个手指的演奏者”写的！当然，首演此曲的小提琴家克拉斯纳并没有长出第六个手指。《钢琴协奏曲》的首演就比较顺利了，它在和声和技巧上没让钢琴家们感到过于生冷。它是单乐章的，或者说是四个部分连续演奏，有明显的自传意味：生活本来是平坦的（行板），但某种仇恨突如其来（快板），重大的危机便接踵而至（柔板），可是生活还得继续下去……
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